resumen 4

Republica Bolivariana de Venezuela
Universidad de los Andes
Facultad de Arte
Mensión: Diseño Grafico.












Resumen: 4












Nombre :Nelson E. Peña B.
C.I. 12.350.076.
Prof: Josef Meri.



A continuación realizo este resumen basado en una breve explicacion que el profesor realizo en clases en cuanto a:

-Mimimalismo: Nacido en los EE.UU, en los años 70, De el se comenta que es una corriente que surge como reacción del Pop Art. Por lo del colorismo, a la importancia que se le prestaba a los medios de comunicacion, a lo comercial.Y de un arte considerado desde este punto de vista aparente. Y por tal motivo la reduccion al maximo, de lo que no es necesario como elemento, ( los volumenes en la pintura, con geometria elemental de las formas, y en la manera de representar la esculturas ) para luego llevar a esbozos la parte estructural de una obra.

El minimalismo en el sonido se alimenta de lo sagrado, de lo espiritual y se fundamenta en lo minimo.

En la arquitectura influyo en el espacio interior, siendo espacios relajados, amplios y de comodidad deacuerdo al elemento que lo acompaña, de colores con tonos suaves etc.

En si en él su funcion es emosionar a travez de lo elemental, la minima expresion, el orden, la sobriedad, reduciendo a lo esencial.

Sus representantes:

-Terry Riley.

-Steve Reich. y Philip Grass.

- Video Arte: Que es un movimiento artistico que surgio en los EE.UU, y europa, hacia 1963, de gran apogeo en esta misma decada y setenta, experimentando distintas tendencias como el fluxus ( con el que mas se relaciona) , el arte conseptual, performance y minimalismo.

Y en si, se da por medio de la utilizacion de la tecnologia del video, complementado con el arte de narrar, dando propuestas y respuestas que muevan las emociones y que lleven a reflexionar al espectador, hasta en su ser mismo.

- El performance:Esta disciplina nace oficialmente en 1916, al mismo momento que el movimiento dadaista con el nomre de arte conceptual, auspiciado por Triztan Tzara, uno de los fundadores de la corriente dadaista. En el cabaret Voltaire (Zuiza 1946). Donde se suscitaron las primeras acciones performance de los dadaistas, quienes mesclaban sus presentaciones con la poesia, el arte plastico , la musica y acciones repetidas para asi formar un concepto.

El performance presenta una caracteristica muy importante, como origen del movimiento, ya que se mostro como una necesidad para manifestar una reaccion en contra de las aciones violentas y de ambiente belico, que era presentado a travez de la primera guerra mundial.

Y es la representacion de una idea ( postura, sentimiento, opinion politica, social o emocional). Actuando en forma de expresion libre, a travez de una muestra escenica, en la que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo (cuerpo del artista) o grupo de personas en un lugar determinado y durante un tiempo concreto, de cualquier duracion, muchas veces de manera improsada. Siendo capas de interactuar y obtener una reaccion con el espectador y asi producir efectos, reacciones, entendimientos, recuerdos, relatividad, criticas. etc.

-Cruz Diez: Profesor y artista plastico Venezolano, Nacido en caracas. Quien se encamino por investigar el fenomeno optico del color en el geometrismo, logrando desempeñarse como Diseñador Grafico, en el area de ilustracion en el diario el nacional de caracas. Y durante sus primeras etapas de crecimiento al estar residenciado en españa, donde permanecio durante dos años, realiza una obra que consistia en una serie perenquima de ritmos vegetales, osea adapta y lleva a cabo una representacion estructural de los tejidos vegetales, dentro de lo que es la conformacion de su forma, esferica y cubica, de sus espacios y separaciones reales. De esta optica esquematiza, modula para consistir la obra en tramas de colores puros. Empleando en sus obras los conceptos de signos y ritmos dinamicos, cilindros coloreados y modulaciones opticas.

Posteriormente en los años 70, realiza las series; color aditivo, fisiocromia, inducciones cromaticas, cromointerferencias, transcromias aleatorias y cabimas de cromosaturacion.

Y en si Carlos Cruz Diez, es el maximo representante del arte cinetico,posiblemente toma algunas referencias del op art.

El estudia el movimiento simultaneamente con el juego interactivo e incidencias del color, desde el punto de vista del observador al objeto u obra, y desde lo que la obra produce o causa como efecto del movimiento, ya que todo esta se esta moviendo continuamente, asi como él lo afirma, donde el color aporta en gran grado los cambios que sobre los objetos se forman. ese cambio que el tambien nos hace saber, del cual se nos presenta y esta en constante transformacion, en constante mutacion.

Tambien es el ejemplo real que se puede apreciar en la obra cromosaturacion, donde en los diferentes espacios se producen diferentes sensaciones del color, donde al entrar a las camaras el color es muy fuerte, comienza a desaparecer, se vuelve blaco, porque el ojo no lo lee ( es como que se desvanece, el ojo se satura tanto que decae su percepcion, sobre esta apreciacion concluye y enfatiza Cruz Diez, de que el color esta en el espacio, y que no esta permanentemente, esta cambiando continuamente. De la misma forma influyen los factores movimiento, el que cambia la tierra, para que la luz incida sobre los objetos y asi transformar el color, ya que sin luz no hay color ( el mismo color), el ojo humano y la postura que asuma la persona con respecto a a la obra.

Este caso tambien se da en la obra cromointerferencia, donde todo cambia, nos volvemos movimiento a pesar estar estaticos, afirma Cruz Diez.

Es importante señalar que Cruz Diez le inquieto lo que implica el fenomeno, como ciclo cambiante de la tierra con respecto a la luz solar, ese fenomeno que cambia todo y que incide sobre nosotros, y sobre ello, el experimento alusivo, como elemento transformador. Y a partir de alli, todas sus obras, que enrriquecen el conocimiento, y llenan espacios, para que asi puedan ser contemplados.

Otra actividad asignada fue mostrar las diferencias entre Sandra Vivas y Toby Ziegler:

Donde Sandra Vivas, quien es artista plástica venezolana, nacida en caracas en 1969, y quien es profesora y licenciada en artes en la universidad central de Venezuela, además de participar en diferentes exposiciones y eventos en diversos espacios, museos, y galerías a nivel individual y colectivo, nacional e internacionalmente .(España,EE.UU y otros países). Nos presenta un gran repertorio artístico se incluyen obras de performance, vídeos, fotografías y pintura.

En cambio, Toby ziegler: Quien es Artista plástico , ingles, nacido en 1972, quien vive y trabaja actualmente en Londres. Presenta en sus trabajos una particularidad muy notoria,donde los motivos tradicionales no son tomados en cuenta, pero son considerados, para adquirir una reconfiguracion, una manera propia al momento de representarlos, como también adquieren un carácter exótico, por el hecho de que se simplifican los motivos clásicos,para luego llevarlos a patrones geométricos repetitivos. y creados como imagen dentro de un sistema computarizado.En sus obras él manifiesta una nueva vision de Arte.

Y ante las obras de Sandra Vivas, seria importante conocer hacerca de su obra "El Amacadecasismo".

Obra, que como en tantas de sus obras, se hace reletante, se analtece a la mujer, destacandose por su esencia, ella como mujer y como artista, ya que ella expone su cuerpo, para manifestar los diferentes sentidos, con vision critica, donde se conjugan los diferentes puntos de vista, que como valores, pasten de lo jestual y repercuten sobre el espectador, reflejando y dando a conocer a su vez, los diferentes modelos de conducta, que la mujer debe mantener, fortalecer y debe considerar, y de los modelos que mantienen las personas que observan a la mujer como objeto del hogar, del trabajo y hasta de una sociedad que no valora. Siendo estos aspectos vistos en la vida cotidiana. Comenzando por emplear las caricaturas para reflejar precisamente lo cotidiano. Donde despues se comenta hacerca de lo divertido que seria el disfrutar los sentidos, tratando de valorar lo que Dios me dio, pero observando todo el tiempo lo que no soy yo. Ella considera que la mujer tiene que reflejarse como mujer emprendedora, creadora de principios, a pesar de que la sociedad no se lo diga. Porque dice: necesito inventar otros esquemas de como ser mujer en esta era, y hablando con mis amigas y no con las sifrinas (esa mujer de valores), descubrimos que tenemos una mina que no la encuentro en las revistas ni en la television.

Se esta en una sociedad que no le dicen lo que debe ser a la mujer, porque se comenta de que si eres exitosa no le dicen que eres buena mosa.

Vanguardias Artisticas del Siglo XX

ARTE CONTEMPORANEO

REPUBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA
UNIVERSIDAD DE LOS ANDES
FACULTAD DE ARTE
MENSION DISEÑO GRAFICO














RESUMEN 3

















NOMBRE: NELSON E. PEÑA B.
C. I : 12350076
PROF: YUCEF MERHI




Arte Contemporáneo:

Se da a través de un notable cambio, a lo largo de un proceso de transición. Comenzando por lo que implico la revolución industrial, iniciada en Inglaterra a mediados del siglo, XVIII, (1789 a 1914). Repercutiendo en los diferentes ámbitos de sociedad. Y al pasar por esta situación, a finales de siglo XIX y principios del siglo XX Europa vivía una situación de inestabilidad social, económica y política, entre naciones, lo que provoco la primera guerra mundial. Esto trajo consigo un estimulo revolucionario, hacia los artistas, donde lo político queda atrás y el tema social es considerado, esto como parte de lo que fue la respuesta de un mundo nuevo, tomado en cuenta de esta forma, como visión del arte.

Haciendose propicio el espíritu creador, para entrar a las LAS VANGUARDIAS, donde según la histografia la edad contemporánea es considerada a partir de 1914, fecha en que se dio la primera guerra mundial, es de suponer que la necesidad por mostrar algo nuevo a partir de las fechas citadas dio origen a lo que hoy nombramos, arte contemporáneo.

Es de afirmar que el arte contemporáneo corresponde a una nueva edad del siglo XX , Se genera un punto de partida muy notable a partir de dicho siglo. Alli se rompen los vínculos, de acuerdo a lo que fueron los cánones clásicos que habían dominado las Bellas Artes desde el renacimiento, siendo estas las raíces del Arte Contemporáneo. Pero también es importante señalar que se afirma que dicho arte se dio poco antes de finalizar el siglo XIX.

Y en lo particular hago énfasis en decir que este proceso contiguo, cercano y previo al arte contemporáneo, el hito impresionista, que marco historia, en torno a 1860 donde los artistas se preocuparon por representa en sus pinturas a la naturaleza, permitio, dejo tomar como consideracion, a los nuevos movimientos, lo que ellos tenian, en cuanto a la superposicion o yuxtaposicion de los colores.Como tambien de aquella percepcion que se logra a travez de una previa observacion, ( desde una determinada distancia)donde pareciera que existiera la intencion de que los colores se observen como grandes manchas,de manera plana, ( se dice que el impresionismo desmaterializa las cosas. Por tal la apariencia de que las cosas tiendan a desaparecer o que no haya realidad .

Édouard Manet utilizó manchas de colores planos, contorneadas mediante una pincelada suelta; los impresionistas —especialmente Camille Pissarro, Claude Monet, Auguste Renoir— se interesaron por representar los efectos de luz sobre los objetos, más que por reproducir las texturas auténticas de las cosas.

Édouard Manet (1832-1883), pintor francés.

La merienda campestre.

Camille Pissarro (1830-1903), pintor impresionista francés.


Vista de Pontoise .

Claudio Monet, quien es paisajista y considerado fundador del impresionismo. ( 1840- 1926) entre otros, ante su trayectoria marcaron pauta; ( sus obras: Pinturas al aire libre, figuras, retratos, naturalezas muertas, el efecto, hacían gala de su arte) .

Lirios acuáticos de Claudio Monet.

Este arte cede el paso, a las vanguardias, que por los diferentes acontecimientos los nuevos artistas proponen el cambio, siendo esta la unión de diferentes movimientos, estilos y escuelas.

También sería necesario acotar, que el concepto arte moderno,( fenómeno exclusivamente europeo) no se debe identificar como un arte que corresponda al arte de la edad moderna, ya que la edad moderna es otro tema, (va relacionado con el siglo XV al XVIII, ), el arte moderno está estrechamente ligado más bien al arte contemporáneo, que es toda producción artística desde finales del siglo XIX, hasta aproximadamente los años 1970 .(segun versiones, obviamente porque las epocas van marcando pautas, hasta hoy en dia el atre contemporaneo se sigue mostrado), el nuevo arte se opuso a lo académico , a lo tradicional, mientras el arte moderno tuvo que ver con la experimentación desde mi punto de vista, son contemporáneo, no es lo cronológico sino lo estético.

Las primera vanguardias después de finalizar el siglo XIX, previas a la primera guerra mundial( 1914 hasta 1918). Que son:

-El fauvismo:

Primera revolución artística del siglo XX, nacida en francia, en los años 1907, surgida casi al mismo tiempo que el expresionismo alemán, de poca duración, (Entre 1904 y 1908). Pero de reconocida participación, perdiendo a su vez su auge por el avance del cubismo.

Del impresionismo comienzan a tomar en consideración las posibilidades que no son tomadas en cuenta. Ya que el impresionismo desmaterializa las cosas, por ello parece que las cosas desaparecen o que no hay realidad. Mientras que el fauvista considera que la base de lo real --hay que buscarla en la creación o en los elementos creadores como en el temperamento, siendo esto lo que transmite el fauvismo, una fuerte configuración interna, que deja pasar una imaginación anecdótica y termina en el expresionismo. De allí que la pintura fauvista sea simple, instintiva, ingenua, decorativa, y sobre todo expresiva. Se manifiesta como una pintura de equilibrio, de pureza que no inquieta ni turba, mostrando calma y reposo, pero sin perder su gran valor

Los colores son vivos y brillantes, dispuestos en superficies planas, allí no se presenta el claraoscuro, ni modelado, ni perspectiva. Siendo frecuente que el color ocupe gran parte del cuadro, es tanto que el dibujo esquemático perfila los tonos puros y de esta manera resulta como una fiesta de color.
El dibujo no tiene por finalidad describir, sino que se ocupa únicamente de lo esencial. Por esta razón suprime todo lo que sea accesorio. Aparece una cierta deformación violenta, resultante de esta esquematización del dibujo y de dejarlo todo al color. (Por el fuerte colorido y un dibujo de trazo muy marcado para crear un mayor énfasis expresivo) tal, es que esta manifestación artística logro revolucionar en el concepto del color en el arte contemporáneo.

Los principales representantes del fauvismo fueron:

-Henri Matisse, (1869-1954).
-Andrés Derain, (1880-1954.
-Mauricio Vlaminck, (1876-1958). Y Raúl Dufy, (1877-1953).

Surgido al mismo tiempo con el expresionismo alemán, formo las vanguardias de todos los movimientos artísticos renovadores que se han manifestado hasta el momento. Se dice que para ello se inspiraron en los estudio de mosaicos bizantinos y del arte persa, de la escultura negra y del arte de Paul Gauguin, como también de Van Gogh.

Guitarra y copa .
En Guitarra y copa (1921, óleo s/lienzo, 43 × 73 cm, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, París) se aprecian las características del cubismo sintético de Georges Braque: formas planas y fragmentadas, predominio de la composición y del color e incorporación del collage.

Puente de Londres .
Puente de Londres (1906, Museo de Arte Moderno, MOMA, Nueva York), de André Derain, presenta la perspectiva distorsionada, pincelada libre y fuerte colorido característicos de los pintores fauvistas.


Fauvismo.
Desarrollada en Francia durante los años 1903 a 1907.
"Retrato de la Sra. Matisse", 1906. 40,5 x 32,5 cm.

Aparece cierta deformación violenta, que es una resultante de esta esquematización del dibujo y de dejarlo todo al color. En matisse la violencia resulta algo equilibrada; en cambio en Vlamink es rebelde y anarquica. Con lo que crea un fuerte dramatismo producido por los colores azules y los blancos crudos.

-el futurismo :

Fue un movimiento italiano que ayudo a aclarar la subversión vanguardista de los años 1910 a 1916. A través de un grupo de pintores italianos bajo la dirección del poeta Marinetti. Con el propósito de exaltar el dinamismo frenético del mundo moderno. Y como subversión contra los valores del pasados( los viejos valores artísticos y por la situación que se estaba viviendo).

Se fundamenta en el deseo de expresar no las figuras que parecen moverse, sino mas bien el mismo movimiento, del sistema de impresiones ópticas del impresionismo y en la descomposición y simultaneidad del cubista.

Del impresionismo toma lo que la pintura tiene de sensación (el aspecto de yuxtaposición de tonos, pinceladas). Y del cubismo la posibilidad de retener en el cerebro las diferentes formas que primero pasaron por la retina al mirar el objeto. Por esta razón es que el dinamismo futurista consiste en la acción simultánea del movimiento particular del objeto, junto con las transformaciones que se plantean con relación al ambiente

Si el cubista pretendía lograr la cuarta dimensión moviéndose el pintor en torno al objeto inmóvil, el futurista pretende ver que se muevan en torno a él. Y en si el futurista combina las técnicas del impresionismo con las del cubismo.

El futurismo con el tiempo alcanza todas las ramas de la actividad intelectual y artística; en 1911 la música y la fotografía, 1912 la literatura y la escultura, en1914 la arquitectura, en1915 el teatro, y con el tiempo el traje y libertad de la mujer.

Es de acotar que este movimiento exalto el deseo de manifestarse en contra del pasado observando y apoyando al mundo de la época, el mundo moderno, de velocidad en el que el mecanismo hacia ver unos tiempo diferente, (el ritmo de la existencia de la época de acero, de las maquinas y de las fabricas, del deporte y las grandes urbes). Entonces ante ese deseo precipitado de crear las nuevas tecnologías, (un mundo en movimiento) el futurismo toma esos rasgos importantes que marcan a la sociedad y los interpreta relacionándolos con códigos, y signos (movimiento, dinamismo, ritmo,)establecidos al estar implícitos en la obra. Y por ello, en el nuevo arte, presenta no las cosas que se mueven, sino el movimiento mismo de las cosas.

Los principales objetivos de un pintor futurista eran:

-La representación simultánea de los estados anímicos; la síntesis del tiempo, lugar y color.
-El dinamismo plástico, que es la representación de la acción simultánea del movimiento característico del objeto, logrando obtener una serie de impresiones sucesivas de un tema en un mismo cuadro.
-La reproducción de varias fases sucesivas de movimiento de un mismo objeto o figura, utilizando la yuxtaposición y superposición en sus distintas posiciones o actitudes.
- Para la reproducción visual del movimiento utilizaron las líneas que proporcionaban fuerza, que se definen como las trayectorias imaginarias que parece proyectar los cuerpos que se mueven en el espacio, representando sus movimientos mismos.

Los pintores que más se caracterizaron fueron:

-Umberto Boccioni.
-Carlos Carra.
-Luigi Rossolo.
-Giacomodo Balla, Y Gido Severini.
Quienes a su vez trabajaron un estilo que se ha denominado cubismo dinámico porque se interesaron por la representación del movimiento y la velocidad a través de la repetición rítmica de líneas e imágenes.

Carlo Carra,Festejo Patriotico.



Las Bailarinas de Gido Severini.

Obra futurista.
Este movimiento artístico de comienzos del siglo XX que rechazó la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la faz del mundo.

-El cubismo :

Tuvo origen en Francia en 1908, cuando a Henri Matisse, al contemplar un cuadro de Georges Braque, que presentaba cosas de apariencia cubica le llamo la atención, quien luego hablo de pequeños cubos. Y de Cezane considerado precursor del cubismo se dice que evito descubrir la forma, considerándolas como una manifestación en el espacio, en sus obras no trato de reproducir un objeto, sino de identificarse con él. En una de sus frases, dice: ¨La naturaleza puede ser expresada por el cubo, el cono y el cilindro¨.

Y Picasso decía en 1906.¨ Dos problemas se plantearon en mi, al comprender que la pintura tenia para mi, un valor intrínseco, independiente de la reproducción real del objeto. Me pregunte si no había que representar los hechos como se sabe que son, en vez de cómo uno los ve. Ya que la pintura tiene su belleza propia, se podría crear una belleza abstracta con tal que siga siendo pictórica.

Pero el cubismo también es consecuencia dada a partir de la pintura japonesa.

Luego el cubismo enfatiza la superficie plana y la bidimensionalidad del lienzo y propone una forma de perspectiva basada en la multiplicidad de los puntos de vista, y en cierta forma obviando el colorido, donde sus formas se presentan cada vez mas autónomas en relación con el objeto que los motiva (que no se parece, pero para él tiene un valor). Por otro lado, otra faceta del cubismo es la imagen simultánea, que trata de los diferentes puntos de vista, haciendo parecer la presentación de las formas como una acción simultánea de la misma cosa o objeto. En el cubismo, y como es lógico la vista no ve un objeto al mismo tiempo por todas sus caras; pero la mente si tiene la facultad de abstraerlas y retenerlas simultáneamente. Siendo de esta forma, pues, considerado el cubismo más intelectual que visual, puede pintar una misma cosa simultáneamente en diferentes aspectos tal como se retienen.(Captando expresiones, movimientos reales, expresado en geometría desde diferentes ángulos, del elemento a tratar).

Siendo estas razones por el cual se renuncia al punto de vista único, que había impuesto el renacimiento y también a la perspectiva científica con un solo punto de fuga, donde también el pintar en profundidad no le preocupa, pero si le interesa mucho la cuarta dimensión como consecuencia de su simultaneidad.
Luego el cubismo prepara la liberación de la forma y da el primer paso hacia el arte abstracto puro, logrando influenciar el arte pictórico del siglo XX, donde el arte contemporáneo recibió y tomo las influencias tomo de él.

En una primera fase, denominada cubismo analítico los artistas buscaron la descomposición de las formas tridimensionales en múltiples elementos geométricos a partir de la fragmentación de elementos cúbicos y proyecciones planas. En una segunda fase, denominada cubismo sintético, se desarrollaron experiencias con el collage. Materiales como la madera, papeles de periódico, fotografías o plumas se combinaron con pigmentos planos en la composición del cuadro.

Donde los más destacados son:

Picasso, Braque, Juan Gris. Entre otros.

Guernica.

La inspiración de la obra de arte de Pablo Picasso vino del bombardeo del pueblo Guernica. Picasso la pintó para la Exposición Mundial de París, 1937. En la obra se ve mucho simbolismo de la batalla y del sufrimiento. Los imagines de la mujer llorando, el caballo y el toro expresan puro sufrimiento.
Al mirar la cabeza del caballo, se ve su cuerpo lleno de agonía en la expresión de los ojos. Por toda la obra hay sentimiento de dolor expresado por los pies y las manos, las lenguas, los cuellos en actos espasmódicos. Pero por toda la tensión de las figuras, también hay un sentido de orden.
Al pensar en la Guerra Civil de España, se puede relacionar los personajes de la obra con los dos partidos de la guerra. El toro fuerte encima de la mujer representa a Franco. El caballo acornado y herido es un símbolo de la República Española, derrotada por Franco.

Almuerzo en la hierba de Pablo Picasso

- El expresionismo:

Consiste en exteriorizar los sentimientos, su espíritu de una manera espontanea, aunque a veces impetuosamente. Motivo que lo hace ver más emocional que plástico, el artista no busca la belleza, ni siquiera busca los valores plásticos. Lo que le interesa es el desahogo expresivo, una distorsión de carácter emocional, de la forma y el color, en el que todos los elementos contribuyen, la líneas se rompen, contorsionan y undulan; las formas se separan, pareciera que se mueven o retuercen agigantándose o reduciéndose; El color se enciende para expresar un sentimiento poderoso y apasionado; las estructuras se modifican para elevar la intensidad de la creación; se sacrifica el dibujo y se violentan las formas para que tengan la máxima intensidad emotiva. Razón por la cual el expresionista llega pronto a la deformación de la realidad e incluso llega a expresar lo feo y lo desagradable como una reacción contra lo bonito y lo grato. Gestó que hace ver un carácter elevado, no estando en la expresión del rostro, ni en la actitud de la figura, sino en la composición general del cuadro, en la que los diferentes elementos parecen anarquizarse e independizarse, y es lo que llama la atención, la expresión del propio yo, por ello la composición se hace desgarrada y el color más violento, con contenidos simbólicos.

Los principales representantes del expresionismo eran:

-Ernst Ludwig Kirchner, (1880-1938).
-Emil Nolde, (1876-1956).
-edward Munch, (1863-1944).
-Franz Marc, (1880-1916).
-James Ensor, (1860-1949)
-Oscar kokochka, (1886- ).

Calle de Berlín.


Emil Nolde, Las dos Hermanas.

-El dadaísmo :

EL dadaísmo fue un movimiento anti vanguardista literario y artístico surgido durante la Primera Guerra Mundial, en Zurich (Suiza) , en 1916. Que creó una rebelión, de protesta y rechazo absoluto, una revolución contra el convencionalismo de toda tradición anterior de una sociedad que había negado al hombre los valores espirituales, por aquello que lo que para ese entonces se había establecido. En el que rompió todos los esquemas como cánones estéticos establecidos al manifestarse como una forma de protesta, caracterizado por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, abriendo camino a formas de expresión de la irracionalidad.

Los principales representantes dadaistas fueron:


-Juan Arp, (1887-1966).
-Francis Picabia,(1879-1954).
- Marcel Duchamp, (1887-1968)
y Kurt Schwitters,(1887-1948).

Rueda de bicicleta
De Marcel Duchamp, Esta obra es un ejemplo de ready-made, es decir,
de objeto cotidiano elevado a la categoría de arte.

De Marcel Duchamp, Esta obra es un ejemplo de ready-made, es decir,
de objeto cotidiano elevado a la categoría de arte.
Fuente. Duchamp, 1917.

Deacuerdo a su origen.

Un escritor lo indico de esa manera, por ser un arte que empieza, como que se manifiesta de manera arbitraria pero a la vez con carácter ingenuo, por ser lo primero que dice un niño, representa el empezar desde cero, por lo que fue la manifestación de un nuevo arte, que rompió los esquemas anteriores.

La Novia por Marcel Duchamp.

Paisaje Dadá por Giulio Evola

Luego las vanguardias anteriores a la segunda guerra mundial. Tales como:

-El surrealismo :

El surrealismo Surgió en 1924, Comenzó por interpretar de manera positiva las extravagancias del arte dadaísta, para extraerlo y constituirlo a la manera de un nuevo arte, llamado surrealismo. En el que el deseo de expresar el mundo del inconsciente, ese mundo en penumbra y del que tan pocas cosas se conocen. Escrudiña en el subconsciente, en el que brotan las ideas y sentimientos; porque sabe que de ahí puede surgir arte. No es un estilo artístico propiamente dicho, ni plantea novedades, lo importante es el espacio de la forma.

El cubismo había desechado la perspectiva tridimensional, del punto de vista único, y había proyectado en el espacio simultáneamente aquel lado de las cosas, que solamente se pueden ver en distintos tiempos. Ahora el surrealismo trata de buscar en el, proyectando su interior. Lo hace buscando imágenes tanto de lo real como onírico.

Para el no hay contrariedad entre pasado y presente o pasado y futuro ni tampoco entre lo real y lo imaginario, ya que todo se confunde.

Como se muestra el mundo surrealista es irracional, caotico y absurdo. Es como la exteriorización de lo interior, sin control racional y sin trabas estéticas o morales.

El surrealismo se adaptaba mejor a las técnicas de la pintura que a las literarias, siendo los pintores quienes difundieron e hicieron conocer el movimiento por todo el mundo.

Los principales artistas del surrealismo, fueron:

-Jorge de Chirico, (1888- ).
-Mar Chagall, (1887) .
-Juan Miro, (1893) .
- Salvador Dali, (1904). Giorgio de Chirico,las dos Hermanas.


Mar Chagall.

Alrrededor de ella.de Mar Chagall.



La Persistencia de la Memoria.
Al igual que en muchas obras de Salvador Dalí, la idea de alucinación en La persistencia de la

memoria (1931) está dada tanto por la incongruencia onírica de estos objetos situados

en un paisaje misterioso como por la meticulosidad técnica. Dalí describía su obra

como "fotografías de sueños pintadas a mano". La extraña forma que aparece en primer plano

está tomada de El jardín de las delicias (c. 1505-1510) de El Bosco.

-Pintura abstracta:


El arte abstracto, empezó a desarrollarse en Alemania, Estados Unidos, Rusia y los Países Bajos durante la segunda década del siglo XX. El cubismo fue crucial para su evolución, sobre todo en Rusia, donde los artistas, que conocían las tendencias francesas, bien a través de sus viajes a París, o contemplando el arte de vanguardia en las colecciones moscovitas, empezaron a crear cuadros de composición geométrica. Kazimir Maliévich llamó suprematismo a su manera de abordar la abstracción, mientras que a otros artistas rusos —como Alexandr Rodchenko y El Lissitzky— se les conoció como constructivistas. Después de su contacto con el cubismo, Piet Mondrian desarrolló una forma de abstracción llamada neoplasticismo. Sus pinturas de cuadrículas, poniendo de relieve la bidimensionalidad del plano pictórico, y sus teorías estéticas fueron la base del desarrollo de la abstracción geométrica en Estados Unidos en la década de 1930. En esta última tendencia destaca en América Latina el ítalo-brasileño Alfredo Volpi, cuyo trabajo desemboca en una geometría sensible, con trazos menos exactos y más imaginativos.

Composición Nº 8 (1923) de Kandinsy.
Negro y violeta (1924) de Kandinsky.

Improvisación 28 (segunda versión), pintada por Wassily Kandinsky en 1912, refleja el empeño de este artista ruso por expresar mediante trazos y colores intensos el contenido espiritual de su obra y, en este caso concreto, la conexión entre

las artes plásticas y la música.

Como también es de afirmar que desde los años 1920, el comunismo soviético y el fascismo italiano, tras estar estrechamente vinculados a las vanguardias (constructivismo, futurismo), buscaron la posibilidad de encaminar de manera manipulada sus propagandas a través de un arte nuevo, fácilmente dirigible a las masas, tal es el arte denominado , realismo socialista o arte fascista. Para ellos el arte moderno no era importante no presentaba las características, e incluso le dieron el calificativo, de arte degenerado de los dementes y de las razas inferiores. Y posterior a ello crearon las artes anti vanguardistas, creados por el régimen totalitario.

Así como el realismo socialista, el estalinismo que optó por impulsar un arte fácilmente comprensible por las masas, tras las experiencias vanguardistas de los años veinte (constructivismo), que pasaron a calificarse de elitismo burgués.

- El arte nazi:

En Alemania nazi de los años treinta y cuarenta. Se definía como Arte ario , propio de una raza superior y opuesto al arte degenerado (que identificaba como el arte de los deficientes mentales y de las razas inferiores, y definía como una degeneración del gusto artístico que los judíos pretenderían imponer con la etiquetas de vanguardia, abstracto o expresionista).

El arte fasista, entendido como el realizado en el periodo de entreguerras en la Italia fascista, incluso impulsado por el movimiento fascista, fue mucho más diverso, incluyendo manifestaciones vanguardistas como el Futurismo f y de arquitectura racionalista, pero también manifestaciones clasicistas más cercanas al arte nazi.

-Muralismo Mexicano:

Representado por la tríada de fuertes personalidades (muchas veces enfrentados entre sí) formada por José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros .Otros artistas mexicanos, vinculados al movimiento muralista, aplicaron técnicas y estilo diferentes, como Frida Kahlo.

David Alfaro Siqueiros.
El pintor mexicano David Alfaro Siqueiros fue uno de los principales
promotores del renacimiento de la pintura mural en su país.



Diego Rivera.
Considerado uno de los mejores pintores mexicanos de todos los tiempos, Diego Rivera
luchó toda su vida por hacer un arte más cercano al pueblo. Realizó grandes murales en los que
representaba temas sociales y decoró un gran número de edificios gubernamentales de México.
En 1935 acabó una de sus obras más ambiciosas, el fresco de la escalera del Palacio
Nacional de la ciudad de México.

Es importante resaltar que la destrucción de la guerra hizo que artistas de Europa, (especialmente de Francia) críticos y otras personas emigraran y se interesaran por transmitir el arte contemporáneo en Nueva York, creándose así nuevos espacios y valores artísticos en América latina. Sin embargo, fue después de la Segunda Guerra Mundial cuando los Estados Unidos presentaron con gran entereza los nuevos movimientos artísticos. Los años 1950 y 1960 vieron la aparición del expresionismo abstracto, op art, pop art y minimalismo; a finales de los años 1960 y los años 1970, habían aparecido el Happening, Fluxus, land art, performance art, arte conceptual y fotorrealismo.

Siendo estos movimientos artísticos originados a partir de la II guerra mundial.

-Expresionismo abstracto:

La presencia en Estados Unidos de muchos surrealistas europeos refugiados, fue el catalizador en la creación del expresionismo abstracto, movimiento centrado en Nueva York entre las décadas de 1940 y 1950. Su investigación del inconsciente y de las técnicas basadas en el azar intrigó a Jackson Pollock, Willem de Kooning, Hans Hofmann y muchos otros. Estos artistas, partidarios del automatismo surrealista (una técnica similar a la escritura automática) y del expresionismo, practicaban la técnica conocida como Action Painting. En manos de Pollock, por ejemplo, implicaba derramar colores sobre lienzos de gran formato para crear al azar motivos abstractos. Otros expresionistas abstractos, como Mark Rothko y Barnett Newman, desarrollaron la Colour-Field Painting, aplicando sobre el lienzo grandes extensiones de color sutilmente modulado. En Argentina destaca Ronaldo de Juan, que más tarde optó por grandes cuadros de tonos grises. En Europa, se desarrolló en paralelo un movimiento denominado informalismo, que cuenta entre sus principales representantes a Jean Dubuffet, Hans Hartung, Antoni Tàpies y Manuel Millares, entre otros.

Pollock .
El pintor expresionista abstracto Jackson Pollock utilizó el azar en su pintura mediante la técnica del Action Painting (pintura de acción), que consistía en salpicar o dejar caer pintura sobre el lienzo para lograr efectos como los que se aprecian en esta obra titulada Black and White (1948).

Jackson Pollock (1912-1956), pintor estadounidense, el principal representante del Action Painting, una corriente pictórica asociada al expresionismo abstracto.

Luna creciente.
El artista estadounidense de origen alemán Hans Hofmann anticipa, con su obra progresivamente abstracta, la obra de pintores como Jackson Pollock o Clyfford Still.

Hans Hofmann (1880-1966), pintor y profesor alemán nacionalizado estadounidense en 1941, conocido como el decano del expresionismo abstracto. Nació en Weissenberg, Baviera, el 21 de marzo de 1880, y estudió pintura en Múnich y París, Francia. Rozdol II .
A mediados de la década de 1960, el artista estadounidense Frank Stella rompió con la austeridad de
sus trabajos anteriores, que sirvieron de inspiración al minimalismo, introduciendo la policro-
mía y la asimetría en busca de una nueva identidad pictórica. Este cuadro, titulado
Rozdol II (1973, Museo de Arte de Seattle), pertenece a esa nueva etapa de su trayectoria.

-Op Art y Pop Art:

El termino Óp. se deriva de la palabra ¨Optica¨. En el Op-Art, la pintura es vista como fenómeno de la visión. Es un arte de efectos ópticos, basado en las reacciones del ojo humano ante ciertos estímulos. No incorpora al espectador en la obra; el movimiento que se consigue es ilusorio, produciéndose solo en la retina.

Aparece el Op-art , como una reacción en contra de la pintura informal: sinónimo de abstractismo no geométrico.

Los artistas Op recurren a ciertos efectos ópticos, como lo son: La distorsión de la perspectiva, las imágenes consecutivas, la vibración cromática, el centelleo, la interacción de los colores y las tramas estructurales. Una parte de los artistas se valen de la pintura monocromática para llegar a los valores esenciales de la percepción visual. Otros recurren a medios mecánicos para lograr imágenes vibratorias, la luz, el espacio y el movimiento captados por moduladores.

Siendo en la década de 1960, cuando se iniciaron nuevos estilos y movimientos. Algunos pintores siguieron en la senda de la abstracción, como denota el Óp. Art de Victor Vasarely, Eusebio Sempere y Omar Rayo. Si bien el Op Art se basándose en esas ilusiones ópticas generalmente abstractas, el Pop Art es figurativo, como se aprecia en las divertidas obras de su creador, el artista inglés Richard Hamilton. Los artistas Pop tomaban sus imágenes de los anuncios, de las películas, de las tiras cómicas y de los objetos cotidianos. Entre los más destacados artistas seguidores de esta corriente se encuentran Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Jim Dine, Roy Lichtenstein y Andy Warhol.

Vonal-Stri .
Entre las obras más representativas del Op Art están los cuadros que pintó Victor Vasarely durante
las décadas de 1960 y 1970. En Vonal-Stri (1975) la mirada se precipita hacia el cuadrado
negro situado en el centro del lienzo. La sensación de movimiento se incrementa por
la ilusión de curvatura del plano de la izquierda.


Bridget Riley (Inglaterra, 1931).


-El cinetismo:

Tiene sus antecedentes y aportes el arte cinético: del impresionismo, que busco representar la vibración de la luz y sus variaciones constantes, del postimpresionista, que busco la utilización de un fenómeno físico en la obtención del color por adición; de los cubistas y del op art en el que los efectos son ópticos.

El Op-art, es la etapa inmediata anterior al arte cinético; se comenta que algunos ven como una sola ambas expresiones. Pero el cinetismo busca que el espectador se integre a la obra en el espacio y en el tiempo; se impone así una forma de arte abstracto cinético que no solo se ve, sino que el espectador ¨ siente ¨ porque participa en él; sus movimientos físicos, reales, modifican las relaciones de forma y de color que se proponen en la composición; el angulo de visión modifica, asimismo, la realidad que contempla.

Cruz Diez, refiriéndose al Cinetismo, dice:

Lo importante no es que la obra “se mueva”. Esto no es lo característico. Lo transcendental es que la obra deja de ser una estructura para convertirse en un “acontecimiento”. El observador deja de ser un contemplador pasivo para integrarse a la obra y reconstruir en ella, o con ella, una realidad nueva, evolutiva, cambiante en el tiempo y en el espacio. Este es el gran aporte de nuestro movimiento, que no va a ser una moda solamente, porque nuestro trabajo no es “una manera de hacer “sino una conquista de un medio, como lo fue la perspectiva en su momento.

Los principales representantes del Cinetismo son:

-Julio Le Parc, (Nacido en Mendoza (argentina).

-Jesús Soto, (Nacido en ciudad Bolívar, Venezuela).

-Carlos Cruz Diez, (Nacido en caracas en 1923).

-Francisco Sobrino (Nacido en Guadalajara, España, en 1932).

Esta es una obra del artista plástico venezolano Carlos Cruz Diez, titulada Doble Animación de un plano, la cual representa en cierta forma el ámbito en el cual se inscribe el grupo de investigación Computación de Alto Rendimiento y Redes.
Carlos Cruz Diez, El color Aditivo.
En la ocasión en que se decidió adoptar esta imagen como logotipo distintivo del Grupo, se le solicitó autorización al artista para utilizarla. Carlos Cruz Diez autorizó el uso de esta obra para distinguir el grupo GID-25.

Jesus Soto, Huellas

-El Pop art:

El arte pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX (desde mediados en el reino unido y hasta finales de 1950, en los EE.UU), se caracteriza por el uso de temas y técnicas basados en dibujos de la «cultura popular», tales como en anuncios publicitarios, libros de comics y objetos culturales «mundanos». El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el arte, además que buscaba enfatizar el aspecto banal de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

Se comenta que el arte pop y el minimalismo son considerados los ultimos movimientos del arte moderno, y por tal precursores del posmoderno.

Tres banderas
Tres banderas (1958), del artista estadounidense Jasper Johns, es una de las obras más emblemáticas del Pop Art.


-Nuevo realismo :

Las imágenes del Pop Art ayudaron en el camino para un renacimiento de la pintura realista. Los realistas que se destacaron en las décadas de 1970 y 1980 fueron aquellos que habían asumido algunos de los conceptos estéticos del arte abstracto. El fotorrealismo se basaba en la fotografía para conseguir un tipo de pintura realista impersonal, con detalles precisos, como en los meticulosos paisajes urbanos de Richard Estes. Los desnudos rigurosamente estructurados de Philip Pearlstein y las composiciones planas de Alex Katz y Wayne Thiebaud conferían también al realismo un tono frío y abstracto. Mientras tanto, en América Latina empezaban a brillar figuras como el ecuatoriano Oswaldo Guayasamín, que acude a las aristas pronunciadas y a la deformación para expresar a menudo un contenido político.

Y es imporatante a destacar es que hasta el dia de hoy se sigue asumiendo el arte contemporaneo como una actitud que no desvanece, se sigue manifestando este movimiento, a cada momento la his toria deja a su
paso nuevos legados.

En mi apreciación de lo que es el arte digital, de acuerdo a lo que se observo en el vídeo del arte digital, partiendo de lo transcendeltal de su historia como cambios originados desde los tiempos remotos ( era paleolítica) pasando por una serie de acontecimientos, que de por si favorables, a través de hechos necesarios para implementar herramientas de uso, para que el hombre cubriera su necesidad al viajar a la luna, dicho así como ejemplo , donde la tecnología trae con sigo nuevos cambios. Es de destacar que en nuestros tiempos la tecnología a favorecido la necesidad de uso para con lo que han sido las nuevas herramientas,( la Música , lo Audiovisual, Fotografía, como medios complementa , favorece lo digital) y en si en este día de clases se enfatizo en lo que a sido en los 90 la revolución industrial de que siempre a estado sujeta a nuevas molificaciones, lo que a originado, nuevos medios.

También observamos un vídeo de personas, como fotógrafos,que querían enfocar a través de sus cámaras una valla, donde se registraba un anuncio de bienvenida, pero a su vez el anuncio era interceptado por otra cámara, donde se proyectaba otra frece que se enlazaba con en anuncio de la valla. Que en definición muestra la capacidad de interacción, donde la cámara siendo una herramienta pasa a ser un medio.

Y se observo otro vídeo, donde se presento una composición, a partir de una chica que programaba escalas de valores tonales, allí sonaba una melodía, que eran como bolitas de pin pon, que chocaban con copas que retornaban y hacían todo un recorrido para encajar en una maquina, para luego emprenderce y así formar una verdadera melodía. Que a mi criterio nos muestra ser una herramienta y medio de comunicación favorable para apreciarlo.

RESUMEN 1



NOMBRE: NELSON E. PEÑA B.
C.I : 12350076
PROF: YUCEF MERHI






Siendo el primer día de clases me pareció importante la manera como fue tratada la materia
comenzando por establecer la pregunta de: ¿ En que nos ayudaría el Arte DIGITAL ? como
también ¿ Que es Arte DIGITAL ? para luego darse a conocer las pautas establecidas como
punto a Tratar dentro del programa de estudio . Donde de manera dinámica e interactiva, los
Compañeros acorde a la pregunta dieron a conocer su criterio.

Allí comente que el hecho de aprender más nos sirve como complemento aun mas para el
Enriquecimiento. Siendo una cuestión de consideración, o se debe considerar por quien lo
Conoce y quien no lo conoce, como un arte, por su aporte como herramienta, ( un talento
adquirido por parte de quien lo aprende) que nos ayuda en un momento dado a definir un
determinado trabajo. Y obteniendo el conocimiento durante el curso de la materia, nos
Brindaría la oportunidad de conocer una nueva faceta dentro del tema tratado.

También se nos asigno registrar y conocer direcciones, para conocer lo que es el blog, y
asignarnos nuestro propio correo, quienes serán punto de partida como tema exploratorio.

RESUMEN 2








NOMBRE: NELSON E. PEÑA B.
C.I : 12350076
PROF: YUCEF MERHI










En lo particular me parece interesante aprender, deacuerdo a la manera como el profesor nos transmite su conocimiento, que con lo poco o mucho, nos hace reflexionar y hasta estar más atentos, con interés de mantener y cultivar el concepto de aprendizaje. Ya que en este dia se abordo la materia deacuerdo a la persona seleccionada por el profesor, haciendo participes a quienes lo deseaban. Dicho de esta manera por el hecho de comentar y preguntar hacerca de personajes de renombre. ( Romulo Gallegos, Armando Reveron,Jose Maria Vargas, Santiago Pol, Walesca Belisario, Alvaro Sotillo. Etc ) . Como también puntualizar los hechos por el cual se realizo el espacio de redes de digitales (internet). Siendo a propósito de una guerra nuclear. El breve recuento del campo informatico y otros temas que ayudan y hacen posible el aprendizaje deacuerdo a lo que es presentado en clases.







RESUMEN SOBRE LA HISTORIA DE LA TECNOLOGIA

La historia de la tecnología comienza a partir de la época prehistórica, que viene dada a través de toda una serie de acontecimientos que en principio se suscitaron en pro del desarrollo que durante generaciones se fueron perfeccionando. Siendo un factor indispensable para la supervivencia del ser humano donde en tiempos remotos utilizaban herramientas como medio del trabajo cotidiano, donde la necesidad de sustento y necesidad de comunicación permitió al pasar de los tiempos nuevos cambios. Pero vale la pena destacar que la tecnología utilizada por mas que se muestre aparentemente precaria, fue de gran significado y valor, ya que los rudimentos allí empleados trascendieron a tales grados que permitieron la consecución de nuevas y cada vez más nuevas herramientas de trabajo. Todo un legado que como punto de partida cedió nuevos pasos al campo tecnológico.
Como lo son: - La alfarería, en el cual se hacían vasijas de barro.
- El empleo de la primeras ruedas de eje,( torno) para la alfarería. Estas ruedas de ejes brindaron la posibilidad de ser utilizadas para levantar agua de los posos.( se puede decir que a partir de allí se hicieron los carros con ruedas de ejes, donde posteriormente se realizo la hélice de los barcos, de los aviones etc.).

- Del paleolítico y neolítico se origino la fundición del cobre y luego el bronce, para luego la edad de hierro.


- La pictografía ( Que representaba la forma de comunicación como escritura).

- el jeroglífo egipcio (representadas de maneras cuneiformes, grabadas en tablillas de arcilla.

- El papiro, pergamino.

Luego un sin fin de actividades que promueven la necesidad de abarcar un espacio nuevo en el ámbito de las ideas, con fines de lucro, en pro y en contra de la humanidad. Dicho de esta forma porque el hombre emplea y se hace precursor de las invenciones, hecho que satisface y brinda nuevas oportunidades, pero la tecnología también va en contra de los valores, que se desvanecen, por parte de las creaciones de empresas que expiden gases tóxicos, como creaciones de uso belico.

Y bueno la tecnología en el campo de lo favorable se ve enmarcada en lo que a sido la creación, a partir de lo antes mencionado como origen de una estirpe generacional. Donde fue cediendo a otros espacios tecnológicos, tales como: la imprenta, en la edad media la locomotora, el microscopio e la edad moderna, en la edad contemporánea la bicicleta, el vehículo automotor, el internet, la fotografía, él avión, el submarino, el cohete, la computadora, la radio, la televisión, etc.

Y aún asi es de destacar lo que es y fue la comunicación inalámbrica, que se origino a partir de la necesidad de comunicación que se realizo desde la luna a la tierra.

En cuanto al avance tecnológico, es de sorprenderse, ya que los cambios de pensamientos como creación van tan rápido, que a cada momento, si se puede decir de esta forma, y viéndolo desde una perspectiva como noción del tiempo, comparado con la manera como se perciben, aquellos cambios evolutivos.Donde hoy en día se muestran a disposición de manera más inmediata las nuevas tecnología.

La Cena de Emmaus, de Caravaggio

Me paraece que es una de las mejores obras de Caravaggio