ARTE CONTEMPORANEO

REPUBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA
UNIVERSIDAD DE LOS ANDES
FACULTAD DE ARTE
MENSION DISEÑO GRAFICO














RESUMEN 3

















NOMBRE: NELSON E. PEÑA B.
C. I : 12350076
PROF: YUCEF MERHI




Arte Contemporáneo:

Se da a través de un notable cambio, a lo largo de un proceso de transición. Comenzando por lo que implico la revolución industrial, iniciada en Inglaterra a mediados del siglo, XVIII, (1789 a 1914). Repercutiendo en los diferentes ámbitos de sociedad. Y al pasar por esta situación, a finales de siglo XIX y principios del siglo XX Europa vivía una situación de inestabilidad social, económica y política, entre naciones, lo que provoco la primera guerra mundial. Esto trajo consigo un estimulo revolucionario, hacia los artistas, donde lo político queda atrás y el tema social es considerado, esto como parte de lo que fue la respuesta de un mundo nuevo, tomado en cuenta de esta forma, como visión del arte.

Haciendose propicio el espíritu creador, para entrar a las LAS VANGUARDIAS, donde según la histografia la edad contemporánea es considerada a partir de 1914, fecha en que se dio la primera guerra mundial, es de suponer que la necesidad por mostrar algo nuevo a partir de las fechas citadas dio origen a lo que hoy nombramos, arte contemporáneo.

Es de afirmar que el arte contemporáneo corresponde a una nueva edad del siglo XX , Se genera un punto de partida muy notable a partir de dicho siglo. Alli se rompen los vínculos, de acuerdo a lo que fueron los cánones clásicos que habían dominado las Bellas Artes desde el renacimiento, siendo estas las raíces del Arte Contemporáneo. Pero también es importante señalar que se afirma que dicho arte se dio poco antes de finalizar el siglo XIX.

Y en lo particular hago énfasis en decir que este proceso contiguo, cercano y previo al arte contemporáneo, el hito impresionista, que marco historia, en torno a 1860 donde los artistas se preocuparon por representa en sus pinturas a la naturaleza, permitio, dejo tomar como consideracion, a los nuevos movimientos, lo que ellos tenian, en cuanto a la superposicion o yuxtaposicion de los colores.Como tambien de aquella percepcion que se logra a travez de una previa observacion, ( desde una determinada distancia)donde pareciera que existiera la intencion de que los colores se observen como grandes manchas,de manera plana, ( se dice que el impresionismo desmaterializa las cosas. Por tal la apariencia de que las cosas tiendan a desaparecer o que no haya realidad .

Édouard Manet utilizó manchas de colores planos, contorneadas mediante una pincelada suelta; los impresionistas —especialmente Camille Pissarro, Claude Monet, Auguste Renoir— se interesaron por representar los efectos de luz sobre los objetos, más que por reproducir las texturas auténticas de las cosas.

Édouard Manet (1832-1883), pintor francés.

La merienda campestre.

Camille Pissarro (1830-1903), pintor impresionista francés.


Vista de Pontoise .

Claudio Monet, quien es paisajista y considerado fundador del impresionismo. ( 1840- 1926) entre otros, ante su trayectoria marcaron pauta; ( sus obras: Pinturas al aire libre, figuras, retratos, naturalezas muertas, el efecto, hacían gala de su arte) .

Lirios acuáticos de Claudio Monet.

Este arte cede el paso, a las vanguardias, que por los diferentes acontecimientos los nuevos artistas proponen el cambio, siendo esta la unión de diferentes movimientos, estilos y escuelas.

También sería necesario acotar, que el concepto arte moderno,( fenómeno exclusivamente europeo) no se debe identificar como un arte que corresponda al arte de la edad moderna, ya que la edad moderna es otro tema, (va relacionado con el siglo XV al XVIII, ), el arte moderno está estrechamente ligado más bien al arte contemporáneo, que es toda producción artística desde finales del siglo XIX, hasta aproximadamente los años 1970 .(segun versiones, obviamente porque las epocas van marcando pautas, hasta hoy en dia el atre contemporaneo se sigue mostrado), el nuevo arte se opuso a lo académico , a lo tradicional, mientras el arte moderno tuvo que ver con la experimentación desde mi punto de vista, son contemporáneo, no es lo cronológico sino lo estético.

Las primera vanguardias después de finalizar el siglo XIX, previas a la primera guerra mundial( 1914 hasta 1918). Que son:

-El fauvismo:

Primera revolución artística del siglo XX, nacida en francia, en los años 1907, surgida casi al mismo tiempo que el expresionismo alemán, de poca duración, (Entre 1904 y 1908). Pero de reconocida participación, perdiendo a su vez su auge por el avance del cubismo.

Del impresionismo comienzan a tomar en consideración las posibilidades que no son tomadas en cuenta. Ya que el impresionismo desmaterializa las cosas, por ello parece que las cosas desaparecen o que no hay realidad. Mientras que el fauvista considera que la base de lo real --hay que buscarla en la creación o en los elementos creadores como en el temperamento, siendo esto lo que transmite el fauvismo, una fuerte configuración interna, que deja pasar una imaginación anecdótica y termina en el expresionismo. De allí que la pintura fauvista sea simple, instintiva, ingenua, decorativa, y sobre todo expresiva. Se manifiesta como una pintura de equilibrio, de pureza que no inquieta ni turba, mostrando calma y reposo, pero sin perder su gran valor

Los colores son vivos y brillantes, dispuestos en superficies planas, allí no se presenta el claraoscuro, ni modelado, ni perspectiva. Siendo frecuente que el color ocupe gran parte del cuadro, es tanto que el dibujo esquemático perfila los tonos puros y de esta manera resulta como una fiesta de color.
El dibujo no tiene por finalidad describir, sino que se ocupa únicamente de lo esencial. Por esta razón suprime todo lo que sea accesorio. Aparece una cierta deformación violenta, resultante de esta esquematización del dibujo y de dejarlo todo al color. (Por el fuerte colorido y un dibujo de trazo muy marcado para crear un mayor énfasis expresivo) tal, es que esta manifestación artística logro revolucionar en el concepto del color en el arte contemporáneo.

Los principales representantes del fauvismo fueron:

-Henri Matisse, (1869-1954).
-Andrés Derain, (1880-1954.
-Mauricio Vlaminck, (1876-1958). Y Raúl Dufy, (1877-1953).

Surgido al mismo tiempo con el expresionismo alemán, formo las vanguardias de todos los movimientos artísticos renovadores que se han manifestado hasta el momento. Se dice que para ello se inspiraron en los estudio de mosaicos bizantinos y del arte persa, de la escultura negra y del arte de Paul Gauguin, como también de Van Gogh.

Guitarra y copa .
En Guitarra y copa (1921, óleo s/lienzo, 43 × 73 cm, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, París) se aprecian las características del cubismo sintético de Georges Braque: formas planas y fragmentadas, predominio de la composición y del color e incorporación del collage.

Puente de Londres .
Puente de Londres (1906, Museo de Arte Moderno, MOMA, Nueva York), de André Derain, presenta la perspectiva distorsionada, pincelada libre y fuerte colorido característicos de los pintores fauvistas.


Fauvismo.
Desarrollada en Francia durante los años 1903 a 1907.
"Retrato de la Sra. Matisse", 1906. 40,5 x 32,5 cm.

Aparece cierta deformación violenta, que es una resultante de esta esquematización del dibujo y de dejarlo todo al color. En matisse la violencia resulta algo equilibrada; en cambio en Vlamink es rebelde y anarquica. Con lo que crea un fuerte dramatismo producido por los colores azules y los blancos crudos.

-el futurismo :

Fue un movimiento italiano que ayudo a aclarar la subversión vanguardista de los años 1910 a 1916. A través de un grupo de pintores italianos bajo la dirección del poeta Marinetti. Con el propósito de exaltar el dinamismo frenético del mundo moderno. Y como subversión contra los valores del pasados( los viejos valores artísticos y por la situación que se estaba viviendo).

Se fundamenta en el deseo de expresar no las figuras que parecen moverse, sino mas bien el mismo movimiento, del sistema de impresiones ópticas del impresionismo y en la descomposición y simultaneidad del cubista.

Del impresionismo toma lo que la pintura tiene de sensación (el aspecto de yuxtaposición de tonos, pinceladas). Y del cubismo la posibilidad de retener en el cerebro las diferentes formas que primero pasaron por la retina al mirar el objeto. Por esta razón es que el dinamismo futurista consiste en la acción simultánea del movimiento particular del objeto, junto con las transformaciones que se plantean con relación al ambiente

Si el cubista pretendía lograr la cuarta dimensión moviéndose el pintor en torno al objeto inmóvil, el futurista pretende ver que se muevan en torno a él. Y en si el futurista combina las técnicas del impresionismo con las del cubismo.

El futurismo con el tiempo alcanza todas las ramas de la actividad intelectual y artística; en 1911 la música y la fotografía, 1912 la literatura y la escultura, en1914 la arquitectura, en1915 el teatro, y con el tiempo el traje y libertad de la mujer.

Es de acotar que este movimiento exalto el deseo de manifestarse en contra del pasado observando y apoyando al mundo de la época, el mundo moderno, de velocidad en el que el mecanismo hacia ver unos tiempo diferente, (el ritmo de la existencia de la época de acero, de las maquinas y de las fabricas, del deporte y las grandes urbes). Entonces ante ese deseo precipitado de crear las nuevas tecnologías, (un mundo en movimiento) el futurismo toma esos rasgos importantes que marcan a la sociedad y los interpreta relacionándolos con códigos, y signos (movimiento, dinamismo, ritmo,)establecidos al estar implícitos en la obra. Y por ello, en el nuevo arte, presenta no las cosas que se mueven, sino el movimiento mismo de las cosas.

Los principales objetivos de un pintor futurista eran:

-La representación simultánea de los estados anímicos; la síntesis del tiempo, lugar y color.
-El dinamismo plástico, que es la representación de la acción simultánea del movimiento característico del objeto, logrando obtener una serie de impresiones sucesivas de un tema en un mismo cuadro.
-La reproducción de varias fases sucesivas de movimiento de un mismo objeto o figura, utilizando la yuxtaposición y superposición en sus distintas posiciones o actitudes.
- Para la reproducción visual del movimiento utilizaron las líneas que proporcionaban fuerza, que se definen como las trayectorias imaginarias que parece proyectar los cuerpos que se mueven en el espacio, representando sus movimientos mismos.

Los pintores que más se caracterizaron fueron:

-Umberto Boccioni.
-Carlos Carra.
-Luigi Rossolo.
-Giacomodo Balla, Y Gido Severini.
Quienes a su vez trabajaron un estilo que se ha denominado cubismo dinámico porque se interesaron por la representación del movimiento y la velocidad a través de la repetición rítmica de líneas e imágenes.

Carlo Carra,Festejo Patriotico.



Las Bailarinas de Gido Severini.

Obra futurista.
Este movimiento artístico de comienzos del siglo XX que rechazó la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la faz del mundo.

-El cubismo :

Tuvo origen en Francia en 1908, cuando a Henri Matisse, al contemplar un cuadro de Georges Braque, que presentaba cosas de apariencia cubica le llamo la atención, quien luego hablo de pequeños cubos. Y de Cezane considerado precursor del cubismo se dice que evito descubrir la forma, considerándolas como una manifestación en el espacio, en sus obras no trato de reproducir un objeto, sino de identificarse con él. En una de sus frases, dice: ¨La naturaleza puede ser expresada por el cubo, el cono y el cilindro¨.

Y Picasso decía en 1906.¨ Dos problemas se plantearon en mi, al comprender que la pintura tenia para mi, un valor intrínseco, independiente de la reproducción real del objeto. Me pregunte si no había que representar los hechos como se sabe que son, en vez de cómo uno los ve. Ya que la pintura tiene su belleza propia, se podría crear una belleza abstracta con tal que siga siendo pictórica.

Pero el cubismo también es consecuencia dada a partir de la pintura japonesa.

Luego el cubismo enfatiza la superficie plana y la bidimensionalidad del lienzo y propone una forma de perspectiva basada en la multiplicidad de los puntos de vista, y en cierta forma obviando el colorido, donde sus formas se presentan cada vez mas autónomas en relación con el objeto que los motiva (que no se parece, pero para él tiene un valor). Por otro lado, otra faceta del cubismo es la imagen simultánea, que trata de los diferentes puntos de vista, haciendo parecer la presentación de las formas como una acción simultánea de la misma cosa o objeto. En el cubismo, y como es lógico la vista no ve un objeto al mismo tiempo por todas sus caras; pero la mente si tiene la facultad de abstraerlas y retenerlas simultáneamente. Siendo de esta forma, pues, considerado el cubismo más intelectual que visual, puede pintar una misma cosa simultáneamente en diferentes aspectos tal como se retienen.(Captando expresiones, movimientos reales, expresado en geometría desde diferentes ángulos, del elemento a tratar).

Siendo estas razones por el cual se renuncia al punto de vista único, que había impuesto el renacimiento y también a la perspectiva científica con un solo punto de fuga, donde también el pintar en profundidad no le preocupa, pero si le interesa mucho la cuarta dimensión como consecuencia de su simultaneidad.
Luego el cubismo prepara la liberación de la forma y da el primer paso hacia el arte abstracto puro, logrando influenciar el arte pictórico del siglo XX, donde el arte contemporáneo recibió y tomo las influencias tomo de él.

En una primera fase, denominada cubismo analítico los artistas buscaron la descomposición de las formas tridimensionales en múltiples elementos geométricos a partir de la fragmentación de elementos cúbicos y proyecciones planas. En una segunda fase, denominada cubismo sintético, se desarrollaron experiencias con el collage. Materiales como la madera, papeles de periódico, fotografías o plumas se combinaron con pigmentos planos en la composición del cuadro.

Donde los más destacados son:

Picasso, Braque, Juan Gris. Entre otros.

Guernica.

La inspiración de la obra de arte de Pablo Picasso vino del bombardeo del pueblo Guernica. Picasso la pintó para la Exposición Mundial de París, 1937. En la obra se ve mucho simbolismo de la batalla y del sufrimiento. Los imagines de la mujer llorando, el caballo y el toro expresan puro sufrimiento.
Al mirar la cabeza del caballo, se ve su cuerpo lleno de agonía en la expresión de los ojos. Por toda la obra hay sentimiento de dolor expresado por los pies y las manos, las lenguas, los cuellos en actos espasmódicos. Pero por toda la tensión de las figuras, también hay un sentido de orden.
Al pensar en la Guerra Civil de España, se puede relacionar los personajes de la obra con los dos partidos de la guerra. El toro fuerte encima de la mujer representa a Franco. El caballo acornado y herido es un símbolo de la República Española, derrotada por Franco.

Almuerzo en la hierba de Pablo Picasso

- El expresionismo:

Consiste en exteriorizar los sentimientos, su espíritu de una manera espontanea, aunque a veces impetuosamente. Motivo que lo hace ver más emocional que plástico, el artista no busca la belleza, ni siquiera busca los valores plásticos. Lo que le interesa es el desahogo expresivo, una distorsión de carácter emocional, de la forma y el color, en el que todos los elementos contribuyen, la líneas se rompen, contorsionan y undulan; las formas se separan, pareciera que se mueven o retuercen agigantándose o reduciéndose; El color se enciende para expresar un sentimiento poderoso y apasionado; las estructuras se modifican para elevar la intensidad de la creación; se sacrifica el dibujo y se violentan las formas para que tengan la máxima intensidad emotiva. Razón por la cual el expresionista llega pronto a la deformación de la realidad e incluso llega a expresar lo feo y lo desagradable como una reacción contra lo bonito y lo grato. Gestó que hace ver un carácter elevado, no estando en la expresión del rostro, ni en la actitud de la figura, sino en la composición general del cuadro, en la que los diferentes elementos parecen anarquizarse e independizarse, y es lo que llama la atención, la expresión del propio yo, por ello la composición se hace desgarrada y el color más violento, con contenidos simbólicos.

Los principales representantes del expresionismo eran:

-Ernst Ludwig Kirchner, (1880-1938).
-Emil Nolde, (1876-1956).
-edward Munch, (1863-1944).
-Franz Marc, (1880-1916).
-James Ensor, (1860-1949)
-Oscar kokochka, (1886- ).

Calle de Berlín.


Emil Nolde, Las dos Hermanas.

-El dadaísmo :

EL dadaísmo fue un movimiento anti vanguardista literario y artístico surgido durante la Primera Guerra Mundial, en Zurich (Suiza) , en 1916. Que creó una rebelión, de protesta y rechazo absoluto, una revolución contra el convencionalismo de toda tradición anterior de una sociedad que había negado al hombre los valores espirituales, por aquello que lo que para ese entonces se había establecido. En el que rompió todos los esquemas como cánones estéticos establecidos al manifestarse como una forma de protesta, caracterizado por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, abriendo camino a formas de expresión de la irracionalidad.

Los principales representantes dadaistas fueron:


-Juan Arp, (1887-1966).
-Francis Picabia,(1879-1954).
- Marcel Duchamp, (1887-1968)
y Kurt Schwitters,(1887-1948).

Rueda de bicicleta
De Marcel Duchamp, Esta obra es un ejemplo de ready-made, es decir,
de objeto cotidiano elevado a la categoría de arte.

De Marcel Duchamp, Esta obra es un ejemplo de ready-made, es decir,
de objeto cotidiano elevado a la categoría de arte.
Fuente. Duchamp, 1917.

Deacuerdo a su origen.

Un escritor lo indico de esa manera, por ser un arte que empieza, como que se manifiesta de manera arbitraria pero a la vez con carácter ingenuo, por ser lo primero que dice un niño, representa el empezar desde cero, por lo que fue la manifestación de un nuevo arte, que rompió los esquemas anteriores.

La Novia por Marcel Duchamp.

Paisaje Dadá por Giulio Evola

Luego las vanguardias anteriores a la segunda guerra mundial. Tales como:

-El surrealismo :

El surrealismo Surgió en 1924, Comenzó por interpretar de manera positiva las extravagancias del arte dadaísta, para extraerlo y constituirlo a la manera de un nuevo arte, llamado surrealismo. En el que el deseo de expresar el mundo del inconsciente, ese mundo en penumbra y del que tan pocas cosas se conocen. Escrudiña en el subconsciente, en el que brotan las ideas y sentimientos; porque sabe que de ahí puede surgir arte. No es un estilo artístico propiamente dicho, ni plantea novedades, lo importante es el espacio de la forma.

El cubismo había desechado la perspectiva tridimensional, del punto de vista único, y había proyectado en el espacio simultáneamente aquel lado de las cosas, que solamente se pueden ver en distintos tiempos. Ahora el surrealismo trata de buscar en el, proyectando su interior. Lo hace buscando imágenes tanto de lo real como onírico.

Para el no hay contrariedad entre pasado y presente o pasado y futuro ni tampoco entre lo real y lo imaginario, ya que todo se confunde.

Como se muestra el mundo surrealista es irracional, caotico y absurdo. Es como la exteriorización de lo interior, sin control racional y sin trabas estéticas o morales.

El surrealismo se adaptaba mejor a las técnicas de la pintura que a las literarias, siendo los pintores quienes difundieron e hicieron conocer el movimiento por todo el mundo.

Los principales artistas del surrealismo, fueron:

-Jorge de Chirico, (1888- ).
-Mar Chagall, (1887) .
-Juan Miro, (1893) .
- Salvador Dali, (1904). Giorgio de Chirico,las dos Hermanas.


Mar Chagall.

Alrrededor de ella.de Mar Chagall.



La Persistencia de la Memoria.
Al igual que en muchas obras de Salvador Dalí, la idea de alucinación en La persistencia de la

memoria (1931) está dada tanto por la incongruencia onírica de estos objetos situados

en un paisaje misterioso como por la meticulosidad técnica. Dalí describía su obra

como "fotografías de sueños pintadas a mano". La extraña forma que aparece en primer plano

está tomada de El jardín de las delicias (c. 1505-1510) de El Bosco.

-Pintura abstracta:


El arte abstracto, empezó a desarrollarse en Alemania, Estados Unidos, Rusia y los Países Bajos durante la segunda década del siglo XX. El cubismo fue crucial para su evolución, sobre todo en Rusia, donde los artistas, que conocían las tendencias francesas, bien a través de sus viajes a París, o contemplando el arte de vanguardia en las colecciones moscovitas, empezaron a crear cuadros de composición geométrica. Kazimir Maliévich llamó suprematismo a su manera de abordar la abstracción, mientras que a otros artistas rusos —como Alexandr Rodchenko y El Lissitzky— se les conoció como constructivistas. Después de su contacto con el cubismo, Piet Mondrian desarrolló una forma de abstracción llamada neoplasticismo. Sus pinturas de cuadrículas, poniendo de relieve la bidimensionalidad del plano pictórico, y sus teorías estéticas fueron la base del desarrollo de la abstracción geométrica en Estados Unidos en la década de 1930. En esta última tendencia destaca en América Latina el ítalo-brasileño Alfredo Volpi, cuyo trabajo desemboca en una geometría sensible, con trazos menos exactos y más imaginativos.

Composición Nº 8 (1923) de Kandinsy.
Negro y violeta (1924) de Kandinsky.

Improvisación 28 (segunda versión), pintada por Wassily Kandinsky en 1912, refleja el empeño de este artista ruso por expresar mediante trazos y colores intensos el contenido espiritual de su obra y, en este caso concreto, la conexión entre

las artes plásticas y la música.

Como también es de afirmar que desde los años 1920, el comunismo soviético y el fascismo italiano, tras estar estrechamente vinculados a las vanguardias (constructivismo, futurismo), buscaron la posibilidad de encaminar de manera manipulada sus propagandas a través de un arte nuevo, fácilmente dirigible a las masas, tal es el arte denominado , realismo socialista o arte fascista. Para ellos el arte moderno no era importante no presentaba las características, e incluso le dieron el calificativo, de arte degenerado de los dementes y de las razas inferiores. Y posterior a ello crearon las artes anti vanguardistas, creados por el régimen totalitario.

Así como el realismo socialista, el estalinismo que optó por impulsar un arte fácilmente comprensible por las masas, tras las experiencias vanguardistas de los años veinte (constructivismo), que pasaron a calificarse de elitismo burgués.

- El arte nazi:

En Alemania nazi de los años treinta y cuarenta. Se definía como Arte ario , propio de una raza superior y opuesto al arte degenerado (que identificaba como el arte de los deficientes mentales y de las razas inferiores, y definía como una degeneración del gusto artístico que los judíos pretenderían imponer con la etiquetas de vanguardia, abstracto o expresionista).

El arte fasista, entendido como el realizado en el periodo de entreguerras en la Italia fascista, incluso impulsado por el movimiento fascista, fue mucho más diverso, incluyendo manifestaciones vanguardistas como el Futurismo f y de arquitectura racionalista, pero también manifestaciones clasicistas más cercanas al arte nazi.

-Muralismo Mexicano:

Representado por la tríada de fuertes personalidades (muchas veces enfrentados entre sí) formada por José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros .Otros artistas mexicanos, vinculados al movimiento muralista, aplicaron técnicas y estilo diferentes, como Frida Kahlo.

David Alfaro Siqueiros.
El pintor mexicano David Alfaro Siqueiros fue uno de los principales
promotores del renacimiento de la pintura mural en su país.



Diego Rivera.
Considerado uno de los mejores pintores mexicanos de todos los tiempos, Diego Rivera
luchó toda su vida por hacer un arte más cercano al pueblo. Realizó grandes murales en los que
representaba temas sociales y decoró un gran número de edificios gubernamentales de México.
En 1935 acabó una de sus obras más ambiciosas, el fresco de la escalera del Palacio
Nacional de la ciudad de México.

Es importante resaltar que la destrucción de la guerra hizo que artistas de Europa, (especialmente de Francia) críticos y otras personas emigraran y se interesaran por transmitir el arte contemporáneo en Nueva York, creándose así nuevos espacios y valores artísticos en América latina. Sin embargo, fue después de la Segunda Guerra Mundial cuando los Estados Unidos presentaron con gran entereza los nuevos movimientos artísticos. Los años 1950 y 1960 vieron la aparición del expresionismo abstracto, op art, pop art y minimalismo; a finales de los años 1960 y los años 1970, habían aparecido el Happening, Fluxus, land art, performance art, arte conceptual y fotorrealismo.

Siendo estos movimientos artísticos originados a partir de la II guerra mundial.

-Expresionismo abstracto:

La presencia en Estados Unidos de muchos surrealistas europeos refugiados, fue el catalizador en la creación del expresionismo abstracto, movimiento centrado en Nueva York entre las décadas de 1940 y 1950. Su investigación del inconsciente y de las técnicas basadas en el azar intrigó a Jackson Pollock, Willem de Kooning, Hans Hofmann y muchos otros. Estos artistas, partidarios del automatismo surrealista (una técnica similar a la escritura automática) y del expresionismo, practicaban la técnica conocida como Action Painting. En manos de Pollock, por ejemplo, implicaba derramar colores sobre lienzos de gran formato para crear al azar motivos abstractos. Otros expresionistas abstractos, como Mark Rothko y Barnett Newman, desarrollaron la Colour-Field Painting, aplicando sobre el lienzo grandes extensiones de color sutilmente modulado. En Argentina destaca Ronaldo de Juan, que más tarde optó por grandes cuadros de tonos grises. En Europa, se desarrolló en paralelo un movimiento denominado informalismo, que cuenta entre sus principales representantes a Jean Dubuffet, Hans Hartung, Antoni Tàpies y Manuel Millares, entre otros.

Pollock .
El pintor expresionista abstracto Jackson Pollock utilizó el azar en su pintura mediante la técnica del Action Painting (pintura de acción), que consistía en salpicar o dejar caer pintura sobre el lienzo para lograr efectos como los que se aprecian en esta obra titulada Black and White (1948).

Jackson Pollock (1912-1956), pintor estadounidense, el principal representante del Action Painting, una corriente pictórica asociada al expresionismo abstracto.

Luna creciente.
El artista estadounidense de origen alemán Hans Hofmann anticipa, con su obra progresivamente abstracta, la obra de pintores como Jackson Pollock o Clyfford Still.

Hans Hofmann (1880-1966), pintor y profesor alemán nacionalizado estadounidense en 1941, conocido como el decano del expresionismo abstracto. Nació en Weissenberg, Baviera, el 21 de marzo de 1880, y estudió pintura en Múnich y París, Francia. Rozdol II .
A mediados de la década de 1960, el artista estadounidense Frank Stella rompió con la austeridad de
sus trabajos anteriores, que sirvieron de inspiración al minimalismo, introduciendo la policro-
mía y la asimetría en busca de una nueva identidad pictórica. Este cuadro, titulado
Rozdol II (1973, Museo de Arte de Seattle), pertenece a esa nueva etapa de su trayectoria.

-Op Art y Pop Art:

El termino Óp. se deriva de la palabra ¨Optica¨. En el Op-Art, la pintura es vista como fenómeno de la visión. Es un arte de efectos ópticos, basado en las reacciones del ojo humano ante ciertos estímulos. No incorpora al espectador en la obra; el movimiento que se consigue es ilusorio, produciéndose solo en la retina.

Aparece el Op-art , como una reacción en contra de la pintura informal: sinónimo de abstractismo no geométrico.

Los artistas Op recurren a ciertos efectos ópticos, como lo son: La distorsión de la perspectiva, las imágenes consecutivas, la vibración cromática, el centelleo, la interacción de los colores y las tramas estructurales. Una parte de los artistas se valen de la pintura monocromática para llegar a los valores esenciales de la percepción visual. Otros recurren a medios mecánicos para lograr imágenes vibratorias, la luz, el espacio y el movimiento captados por moduladores.

Siendo en la década de 1960, cuando se iniciaron nuevos estilos y movimientos. Algunos pintores siguieron en la senda de la abstracción, como denota el Óp. Art de Victor Vasarely, Eusebio Sempere y Omar Rayo. Si bien el Op Art se basándose en esas ilusiones ópticas generalmente abstractas, el Pop Art es figurativo, como se aprecia en las divertidas obras de su creador, el artista inglés Richard Hamilton. Los artistas Pop tomaban sus imágenes de los anuncios, de las películas, de las tiras cómicas y de los objetos cotidianos. Entre los más destacados artistas seguidores de esta corriente se encuentran Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Jim Dine, Roy Lichtenstein y Andy Warhol.

Vonal-Stri .
Entre las obras más representativas del Op Art están los cuadros que pintó Victor Vasarely durante
las décadas de 1960 y 1970. En Vonal-Stri (1975) la mirada se precipita hacia el cuadrado
negro situado en el centro del lienzo. La sensación de movimiento se incrementa por
la ilusión de curvatura del plano de la izquierda.


Bridget Riley (Inglaterra, 1931).


-El cinetismo:

Tiene sus antecedentes y aportes el arte cinético: del impresionismo, que busco representar la vibración de la luz y sus variaciones constantes, del postimpresionista, que busco la utilización de un fenómeno físico en la obtención del color por adición; de los cubistas y del op art en el que los efectos son ópticos.

El Op-art, es la etapa inmediata anterior al arte cinético; se comenta que algunos ven como una sola ambas expresiones. Pero el cinetismo busca que el espectador se integre a la obra en el espacio y en el tiempo; se impone así una forma de arte abstracto cinético que no solo se ve, sino que el espectador ¨ siente ¨ porque participa en él; sus movimientos físicos, reales, modifican las relaciones de forma y de color que se proponen en la composición; el angulo de visión modifica, asimismo, la realidad que contempla.

Cruz Diez, refiriéndose al Cinetismo, dice:

Lo importante no es que la obra “se mueva”. Esto no es lo característico. Lo transcendental es que la obra deja de ser una estructura para convertirse en un “acontecimiento”. El observador deja de ser un contemplador pasivo para integrarse a la obra y reconstruir en ella, o con ella, una realidad nueva, evolutiva, cambiante en el tiempo y en el espacio. Este es el gran aporte de nuestro movimiento, que no va a ser una moda solamente, porque nuestro trabajo no es “una manera de hacer “sino una conquista de un medio, como lo fue la perspectiva en su momento.

Los principales representantes del Cinetismo son:

-Julio Le Parc, (Nacido en Mendoza (argentina).

-Jesús Soto, (Nacido en ciudad Bolívar, Venezuela).

-Carlos Cruz Diez, (Nacido en caracas en 1923).

-Francisco Sobrino (Nacido en Guadalajara, España, en 1932).

Esta es una obra del artista plástico venezolano Carlos Cruz Diez, titulada Doble Animación de un plano, la cual representa en cierta forma el ámbito en el cual se inscribe el grupo de investigación Computación de Alto Rendimiento y Redes.
Carlos Cruz Diez, El color Aditivo.
En la ocasión en que se decidió adoptar esta imagen como logotipo distintivo del Grupo, se le solicitó autorización al artista para utilizarla. Carlos Cruz Diez autorizó el uso de esta obra para distinguir el grupo GID-25.

Jesus Soto, Huellas

-El Pop art:

El arte pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX (desde mediados en el reino unido y hasta finales de 1950, en los EE.UU), se caracteriza por el uso de temas y técnicas basados en dibujos de la «cultura popular», tales como en anuncios publicitarios, libros de comics y objetos culturales «mundanos». El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el arte, además que buscaba enfatizar el aspecto banal de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

Se comenta que el arte pop y el minimalismo son considerados los ultimos movimientos del arte moderno, y por tal precursores del posmoderno.

Tres banderas
Tres banderas (1958), del artista estadounidense Jasper Johns, es una de las obras más emblemáticas del Pop Art.


-Nuevo realismo :

Las imágenes del Pop Art ayudaron en el camino para un renacimiento de la pintura realista. Los realistas que se destacaron en las décadas de 1970 y 1980 fueron aquellos que habían asumido algunos de los conceptos estéticos del arte abstracto. El fotorrealismo se basaba en la fotografía para conseguir un tipo de pintura realista impersonal, con detalles precisos, como en los meticulosos paisajes urbanos de Richard Estes. Los desnudos rigurosamente estructurados de Philip Pearlstein y las composiciones planas de Alex Katz y Wayne Thiebaud conferían también al realismo un tono frío y abstracto. Mientras tanto, en América Latina empezaban a brillar figuras como el ecuatoriano Oswaldo Guayasamín, que acude a las aristas pronunciadas y a la deformación para expresar a menudo un contenido político.

Y es imporatante a destacar es que hasta el dia de hoy se sigue asumiendo el arte contemporaneo como una actitud que no desvanece, se sigue manifestando este movimiento, a cada momento la his toria deja a su
paso nuevos legados.